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n concert inspiré par la grande figure de Brahms, un compositeur bien connu pour stimuler les envolées de l’âme et les épanchements du cœur. Les deux autres œuvres, notamment le “Pater” de Cartan pour chœur & orchestre, s’inscrivent dans la même veine novatrice.

Johannes BRAHMS

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é à Hambourg le 7 mai 1833, mort à Vienne le 3 avril 1897, BRAHMS commença l'étude de la musique avec son père (qui était corniste et contrebassiste), travaille le piano avec Kossel et la composition avec Marxsen. Dans sa jeunesse, il est pianiste de cabaret et donne des leçons, puis, à partir de 1848, il se produit dans des récitals.

A 20 ans, il quitte Hambourg et entreprend une folle tournée de concerts avec le jeune violoniste hongrois Reményi qui lui transmet des mélodies populaires hongroises. Pendant cette tournée, il fait la connaissance de Joachim et de Liszt. La même année, il rencontre Robert et Clara Schumann, avec laquelle il conservera toute sa vie des relations de proche amitié.

N'ayant pu trouver de poste stable dans sa ville natale, BRAHMS se fixe à Vienne en 1862. Bien qu'incompris par le public et la critique, sa renommée grandit et ses oeuvres sont exécutées dans plusieurs pays. Honoraires de ses éditeurs, concerts et leçons lui assurent une confortable existence. Reconnu par beaucoup comme le premier compositeur allemand de son époque, BRAHMS reçut, sans illusion sur sa solitude, hommages, distinctions et récompenses.

L'évolution artistique de BRAHMS offre plusieurs constantes. Tout d'abord son souci de la perfection. Il s'exprime par la gradation qu'il observe dans l'élaboration des divers genres musicaux, du plus petit au plus grand: pièces pour piano, musique de chambre et lieder avant 1853 ; petites pièces pour orchestre (sérénades) et concertos dans les années 50 ; œuvres pour chœur après 1858, oratorios dès 1860 ; enfin quatuors à cordes à partir de 1873 et symphonies à la fin des années 1870. Mais le retour aux compositions pour piano, à la musique de chambre et aux lieder après 1887 prouve que d'autres mobiles, plus complexes, se sont fait jour simultanément.

Héritier de BEETHOVEN par la teneur conflictuelle de sa musique, de SCHUBERT par son attachement au thématisme populaire, de SCHUMANN par son lyrisme agité et son sens de l'héroïsme chevaleresque, Johannes BRAHMS est aussi fortement attaché aux maîtres et aux modèles classiques et préclassiques. Resté toute sa vie réfractaire à l'opéra et à la musique « à programme », il exalte la musique pure, se suffisant à elle-même, romantique par nature, mais classique par son souci d'une architecture et d'un style traditionnels. Ses symphonies sont un modèle d'équilibre et de densité, mais c'est peut-être plus encore dans les « Variations sur un thème de Haydn », et surtout dans ses œuvres concertantes, qu'il allie le mieux les qualités de la facture et la portée émotionnelle de son inspiration.

Lorenzo FERRERO

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é en 1951 à Turin, Lorenzo FERRERO s'est formé en autodidacte avant d'étudier avec Massimo Bruni et Enore Zaffiri. Il a pratiqué l'électroacoustique au Studio Expérimental de Bourges (1972-1973) et au Musik-Dia-Licht Film Galerie de Munich (à partir de 1974). En peu de temps il reçu la commande de nombreuses pièces qui furent jouées dans les principaux festivals et institutions européens (Festival de Metz, Lille, Maggio Musicale Fiorentino, Steirischer Herbst, Hessischer Rundfunk, Saarbrücken, Radio-France, Philharmonie de Berlin).

Lorenzo FERRERO est surtout un compositeur d'opéra, genre qu'il pratique avec succès depuis le ballet Invito a nozze (Maggio Musicale Fiorentino, 1978) jusqu'aux opéras Rimbaud (Avignon, Lille et Rome en 1978, Casale 1982, Kiel 1986), Marilyn (Rome 1980, Kassel 1982, Vaasa 1993, Helsinki 1995), La figlia del mago (opéra d'enfants, Montepulciano 1981, Florence 1991, Milan 1992, Rouen 1992, Palm Beach 1993, Helsinki 1994, Naples 1995, Brighton 1997), Mare nostro (Alessandria, Turin et Benevent 1985, Rovigo et Trévise 1991), Night (Munich 1985), Salvatore Giuliano (Rome 1986, Würzburg 1987, Kassel 1996), Charlotte Corday (Rome 1989, Brême 1990), Le Bleu, blanc, rouge et noir (opéra de marionnettes sur des textes d'Anthony Burgess : Paris 1989, Milan 1990, Turin et Rome 1993), Nascita di Orfeo (Verone 1996). Ses pièces instrumentales comptent un Concerto pour piano, Ostinato pour six violoncelles, Canzoni d'amore pour voix et 9 instruments, Parodia pour 14 instruments, La Nueva España pour orchestre, Storie di neve - musique composée pour la cérémonie d'ouverture de la coupe mondiale de ski de Sestrière - pour orchestre. En 1994 il a écrit une orchestration de la troisième version de La Rondine de Puccini.

De 1980 à 1984 il a été secrétaire puis directeur artistique du festival Puccini de Torre del Lago, de 1983 à 1987, directeur artistique de l'Unione Musicale di Torino, et depuis 1991 il dirige les Arènes de Vérone.

http://mac-texier.ircam.fr/textes/c00000777

Jean CARTAN

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é à Nancy le 1^er décembre 1906, fils du grand mathématicien Elle Cartan, l'ami et le collaborateur d'Einstein, Jean CARTAN entre au Conservatoire de Paris en 1918, étudie l'harmonie avec Samuel Rousseau, la composition avec Dukas. Sa personnalité émerge en 1927 avec Les trois Chants d'été et son premier Quatuor, dédié à Albert Roussel qu'il considérait comme son maître. Ce quatuor aux thèmes charmants frappe par sa vitalité rafraîchissante - "construit et plein de vie, de confidentielle émotion dans l'Andante" selon Dukas- il est suivi de son meilleur ouvrage, la cantate Pater (cf. ci-dessous). La spirituelle Sonatine pour flûte et clarinette - délicieuse, avec sa caressante berceuse - fut accueillie avec enthousiasme en 1931 ; sa dernière partition, le second Quatuor . selon le critique musical Landormy "son chef-d'œuvre magnifique et troublant, d'une pensée plus riche, plus libre et plus sûre, plus âpre aussi"- montre qu'il se dégageait de l'influence de Debussy, Stravinsky et Roussel quand sa maladie l'emporta prématurément, à 26 ans.

Pater
pour soprano, alto et ténor, chœur et orchestre

“Cette composition est bâtie sur le texte latin du Notre-Père. Il s'agit d'un ouvrage de grande envergure, délicat d'intonation et de mise en place rythmique des paroles, souvent répétées, nombreux changements de tempi, dynamiques contrastées, un passage homophonique avec voix se doublant à l'octave dans la première partie. L'impression générale est saisissante, tourmentée, et donne envie d'en savoir plus sur ce compositeur, mort à 26 ans. Non seulement il semble maîtriser l'écriture et la texture sonore, mais dans ces paroles familières il dessine son monde avec un profond relief.”

Françoise Destambert

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